Ausstellungen
Ausstellung Mechthild Woestmann (2010)
Konkrete Malerei
HSK Wiesbaden, 27. Mai 2010 bis 15.Oktober 2010, Montag bis Sonntag von 8.00 - 18.00 Uhr
> Rede Michael Becker, Schulleitung wfk
Rede von Michael Becker, Leiter der wfk
Die Arbeiten von Mechthild Woestmann standen schon seit jeher unter dem Zeichen der reißenden, schneidenden oder fräsenden Wegnahme von Materie, von glatten Oberflächen oder Malgründen. Die Zerstörung des Glatten, des Makellosen war für sie schon immer eine unumgängliche künstlerische Notwendigkeit.
Zerstörung ging für sie aber immer einher mit Neuschöpfung, die konzeptionellen Charakter trägt. Zerstörung nicht um ihrer selbst willen, Ausdruck gesetzloser, stümperhafter Anarchie, sondern Zerstörung als Gestaltungsgrundlage, als bildnerischer Wert, der vom Künstler Verantwortung abverlangt.
Das Besondere der Woestmannschen Zerstörung ist, dass das Zerstörte, das Weggenommene selbst zum Hauptakteur der Gestaltung wird. In und an ihm soll sich die Bedeutung verdichten, die künstlerische Information konkretisieren. Das Wegschneiden und -fräsen erzeugt leere Stellen, Lücken, an denen sich der künstlerische Gedanke manifestiert. Es handelt sich um eine kontrollierte Zerstörung.
Der künstlerische Zugewinn entsteht durch Wegnahme des Vorhandenen – ein seltenes Vorkommnis in der bisherigen Kunstgeschichte. Aktive künstlerische Tätigkeit wird i.d.R. als Hinzugabe von etwas verstanden, vergleichbar mit dem Kochen, bei dem Nahrungsmittel und Gewürze als materielles Substrat verwendet und in ein geschmackvolles Verhältnis zueinander gebracht werden. Erst durch die besondere Komposition von etwas hinzugegebenem Materiellem wird üblicherweise eine Malerei, eine Zeichnung erzeugt. Durch Wegnahme und Zerstörung sicherlich nicht. Das macht die Arbeiten von Mechthild Woestmann nahezu unverwechselbar und einzigartig.
Einzig die Verbindungslinie zu Lucio Fontana lässt sich eröffnen, der durch das saubere Aufschneiden der zweidimensionalen Leinwand den Raum dahinter in seiner unendlichen Ausdehnung inszenierte und dadurch mit der traditionellen Tafelbildmalerei brach. Auch hier diente die Zerstörung einer Öffnung und Weitung der Möglichkeiten des Verstandes, neue Wege des Denkens zu gehen. Die Fassade wird durchbrochen, das Dahinter wird freigelegt. Damit schuf er das berühmte Concetto Spaciale, das Raumkonzept.
Ist es nicht so, dass Künstler die Aufgabe haben, hinter die Dinge zu blicken!? Dies kann nur über die Zerstörung der Fassade geschehen, durch die der Blick freigelegt wird.
Die Arbeiten der beiden Künstler erscheinen dadurch wie eine Art Symbol für das künstlerische Handeln an sich, es wird etwas freigelegt, um durch- oder dahinter blicken zu können.
Mechthild Woestmann schneidet aber nicht nur hinein, sie trägt Materie ab. D.h. das Konzept des Wegnehmens und der dadurch sich ergebende Zugewinn an neuer künstlerischer Botschaft wird von Fontana gar nicht vollzogen. Ihm geht es eher ums Öffnen. Eine andere Form der Befreiung des Sehens und Denkens.
Die künstlerische Prozedur des Wegnehmens wird bei den jüngsten Arbeiten von Mechthild Woestmann mit einer besonderen Semantik belegt. Die weggefrästen Stellen ergeben zwar Buchstaben und Wörter, diesen aber fehlt die materielle Substanz. Sie sind zwar da und lesbar, aber gleichzeitig sind sie nur noch leere Hohlstellen. Da tauchen englische und deutsche Begriffe auf wie Humility, Peace, Justice, Glaube, Andacht etc., sie wirken aber nur noch wie Klischees ohne ernsthafte Substanz. Die materielle Substanzlosigkeit paart sich nunmehr semantisch mit einer klischeebehafteten Sinnentleerung und Entwertung von Wertbegriffen, die nur noch zu Mahnmalen, zu wirkungslosen Symbolen des guten Zusammenlebens und des gesellschaftlichen Zusammenhaltes reduziert werden.
Die ästhetische Verfremdung, vor allem hervorgerufen durch das extreme Langziehen der Buchstaben, erschwert die Lesbarkeit der Begriffe, ein formal-ästhetischer Überhang macht sich breit und gemahnt an die Gefahr, visuelle Reize um ihrer selbst willen, ohne semantische Substanz, in Szene zu setzen.
Hier wird Ästhetik in ihre Grenzen verwiesen, vielleicht ist es sogar ein resignativer Zug, mit den Mitteln autonomer Kunst den Werteverfall einer Gesellschaft nachzuzeichnen. Schließlich ist der ästhetische Verfremdungseffekt gerade ja derjenige, der die Substanzlosigkeit der Wertebegriffe vorantreibt. Ästhetik als Instrument eines Defaitismus, der dem Betrachter den Werteverfall nicht nur vorführt, sondern diesen auch noch begründet?!
Dieses Problem steckt meines Erachtens in den neuen Arbeiten von Mechthild Woestmann drin. Denn erst durch das künstlerische Handeln wird die Entwertung der Wertbegriffe vollzogen. Kann das die Aufgabe von Ästhetik sein?
Mechthild Woestmann will aufdecken, indem sie über ästhetische Maßnahmen den Wertebegriff streckt, sogar später auch dreht, um die Lesbarkeit noch mehr zu erschweren, indem sie ihm den Status einer leeren, substanzlosen Stelle zuweist. Die Frage dabei ist, ob sich Kunst selbst so weit verbiegen darf, dass sie selbst nur noch zum Ornament werden kann?!
Auf jeden Fall geben die Werke von Mechthild Woestmann Anlass zu spannenden Diskussionen um die Aufgabe von Kunst generell. Wie weit kann und darf sie gehen? Muss in ihr nicht auch eine Botschaft für ein zukünftiges neues Handeln enthalten sein?
Die Verwandlung zum ästhetischen Ornament wirkt wie ein ernsthafter Aufschrei, dass es so nicht weitergehen kann, dass sogar der Künstler sich veranlasst sehen muss, seine Fähigkeiten auf das inhaltslose, pauschale Ornament zu reduzieren.
Mechthild Woestmann vollzieht im Laufe ihrer künstlerischen Perioden einen Weg von einer ästhetischen zu einer begrifflichen Semantik, immer aber auf ästhetischer Basis. In der letzten Periode werden ja sogar die Wertebegriffe ästhetisiert und über den ästhetischen Prozess ad absurdum geführt.
Eine wichtige Zwischenstufe ihres Schaffens bestand in den Farbschatten-Bildern, in denen die ausgesägten Stellen der Bildoberfläche eine unwirkliche Illuminierung der simultanen Farbe erfuhren, die sich mit dem Schatten-Ton der Rückwand zu einem unwirklichen farblichen Eindruck verbanden. Eine Schattenfarbe wurde geboren, die wie aus dem Nichts aufzutauchen schien.
In einer weiteren Phase kommt zu der simultanen Schattenfarbe eine plastische Illusionierung hinzu, indem die flächigen Ausfräsungen plastisch anmutende Ringformen suggerieren, die durch das Licht-Schatten-Verhältnis der Rückwand in ihrer dreidimensionalen Wirkung unterstützt werden.
Auch hier wird das Negative, Ausgesparte auf einmal Schauplatz einer außergewöhnlichen ästhetischen Erfahrung. Substanzlosigkeit erhält eine unfassbare, materielose, geistige Substanz. In dieser Phase ist die Negativstelle positiv konnotiert, die jüngste Arbeitsphase dagegen erscheint kritischer, resignativer, ernster, provokanter, grundlegender in der Hinterfragung der Möglichkeiten von Kunst.
Ich ermuntere Sie daher neben Sekt und Selters zu regen Diskussionen um die Möglichkeiten und Grenzen künstlerischen Handelns in der heutigen Zeit. Die Arbeiten von Mechthild Woestmann bieten dazu eine geeignete Grundlage.
Herzlichen Dank!
Michael Becker / wfk
Wi, 27.05.10
